abril 2007

Museo Nacional de Mujeres en el Arte

Mujeres Italianas: Artistas del Renacimiento al Barroco

Bajo el marco de la celebración de veinte años de vida de National Museum of Woman in the Arts –NMWA- se expone la muestra de pintoras Renacentistas y Barrocas -Italian Women Artists from Renaissance to Baroque-, quienes a pesar de tener que luchar por sobresalir ante los grandes artistas masculinos de aquella época, mantienen las temáticas religiosas y los retratos de gente de alta sociedad del siglo XVI y XVII. Pero la gran diferencia con sus pares masculinos está el haber logrado captar de mejor manera la sensibilidad femenina y de cada uno de sus retratados, como niños, hombres e incluso figuras inertes.

Para poder comprender la motivación de esta exposición y tener un concepto básico de porque se elige esta muestra para celebrar dos décadas del museo es necesario entender que la institución fue creada por Wilhelmina Cole Holladay, quien estudió historia del arte en la Universidad de Elmira en 1944 y luego arte en la Universidad de París. Después, de trabajar para la fuerza aérea de Estados Unidos, y la Embajada de China se casa con Wallace Holladay, con quien comenzó a adquirir una colección personal de pinturas de mujeres artistas. En 1987 Wilhemina Cole Holladay adquirió un antiguo templo masónico con el fin de dejar constancia en un museo público de que la condición femenina ha sido, es y seguirá siendo creativa a lo largo de la historia. Por ello, la relevancia de mostrar a pintoras precursoras y destacadas en este arte, demostrando que no solo los hombres pintores eran capaz de rescatar la esencia del renacimiento y el barroco .

Dentro de la exposición se incluyen trabajos de las artistas Artemisia Gentileschi, Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Giovanna Garzoni y Elisabetta Sirani, en cada trabajo surge una fuerte critica a la posición social en las que se encuentran ellas en ese periodo de la historia, donde los pintores masculinos son mas relevantes y ellas son una especie de segunda-clase, que deben salir de entre las sombras.

Lo mas llamativo de las obras es la motivación, donde muchas de las artistas toman la historia de Judit[1] del antiguo testamento, dibujando el momento en que ella mata al General Holofernes enviado por Nabudonosor para acabar con el pueblo judío de Bertulia. Tratando de mostrar que ellas eran reprimidas y debían decapitar a este opresor masculino.

Es cierto que también pintores como Caravaggio[2] tienen retratado este momento bíblico pero no con la misma crueldad y sensibilidad que logra darle Artemisa Gentileschi[3]. Donde en su cuadro, ella es capaz de mostrar a una mujer temeraria que decapita a este hombre que estaba torturando a su pueblo, sin ningún resquemor por el acto que cometía, pues ella eligió un mal menor en pos de salvar a toda una población. En cambio, en el mismo episodio de Caravaggio la mujer se ve con terror, angustia por el crimen que estaba cometiendo, sin entregar la imagen de heroína que le entrega Artemisa Gentileschi a su Judit.

Otro de los aspectos importantes que juegan a favor de la exposición de esta obra es que la iluminación de la sala es perfecta para poder inmiscuirse con lo que siente Judit al acabar con este General opresor. De este modo, esta pintora barroca es capaz de jugar con los sentimientos de quienes ven su obra, y se comprometen con el sentimiento de esta mujer, que cree hacer lo correcto para liberar a su pueblo, a pesar de la crueldad de la imagen que se retrata.

También se destaca la artista Lavina Fontana, quien se dedicaba a pintar a la alta sociedad y motivos religiosos. Debido a su calidad profesional fue contratada por Clemente VIII para ser la artista oficial durante un periodo de su papado. Pero lo que mas hace que destaque esta mujer es que sus cuadros conmueven , por la utilización de colores y por la delicadeza con la que retrata imágenes de infantes y animales.

Por otro lado, una de las grandes artistas del renacimiento que se exhiben es Sofonisba Anguissola, quien es especialista en retratos y todos las obras que se muestran de ella parecen muy adelantadas para la época, puesto que en cada trabajo aparece su atorretrato, en uno ella está pintando un cuadro, en otro jugando ajedrez con unos niños, etc. Tónica que más adelante repetiría Frida Kahlo, lo importante y llamativo es que Aguissola lo realizó tres siglos antes que la exponente latinoamericana.

Además, los cuadros de Anguissola se caracterizan por la gran utilización de la iluminación y de color, logrando ser una de las primeras mujeres reconocidas en el arte de la pintura en su época.

En esta exposición no solo se muestra pinturas, sino también hay algunas expresiones de escultura, dentro de ellas y un collar, que contiene aplicaciones de pequeñas piedras talladas cada una con una figura distinta, de un gusto muy sutil y femenino, ambas características que finalmente definen el conjunto de las obras de estas mujeres artistas de hace más de tres siglos de Italia.

Son artistas que logran mostrar que no solo la mano de un hombre puede crear la verdadera belleza, mujeres que a pesar de que sus maestros fueron hombres pudieron, pueden y podrán demostrar al mundo que las artistas también son sensibles al arte y que pueden llegar a retratar sus cuerpos y sentimientos mejor que lo que lo haría un pintor masculino.

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[1] http://www.ewtn.com/spanish/Saints/Judit.htm (Historia de Judit)

[2]http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/proyectos/acercarte/cuadros_cuentan/cuentan1/cuentan01.htm

[3] http://es.encarta.msn.com/media_461530680_761572212_-1_1/Judit_y_Holofernes.html